Casina 8 novembre 2007

“I worked kneeling on earth… I had to do some penance… - says Giuseppe Debiasi while telling me of his recent trip to Japan - … papers became animated with almost undefined colors, synthesis of all what my eyes had seen or perceived, of all what my mind had re-elaborated: from the beauty of super-technological trains to the warmth of homes made of wood and of void, up to the chromatic and existential uniqueness of flower compositions.”
There is an inside nobility, softness and a whiff of lightness in the small artworks that Giuseppe Debiasi made in Japan. It is the charm of sites that has to be shown on the painted surface through particular shades invested of symbolic values able to go beyond mere form and the immediate stylization of the natural element. That is when color, if it can recall the encircling intensity of a flower, simultaneously narrates of a trip made of space vortices, of visual winking, of an unconditioned attraction for a world that shows itself as a universe to be discovered.
This earth is in fact for the artist, a ferment of atmospheres where the impending palaces of towns live together with immense gardens rich in water, and where silent homes with rice paper at the windows add to the intrinsic order of things and of thoughts. It is all translated into an image, in precious visual suggestions in which the object, already completely assimilated before being represented, becomes a simple pretext.
Also Debiasi, as Japanese painters, is inebriated by the beauty of nature, by the flowing of emotions that move inside, and it is for this reason that he succeeded, particularly by the present cycle of works, to fix both essence and mutable existence through the whirl of forms. The flower, starting point of his pictorial reflection, is thus transfigured, completely re-invented: form becomes shapeless because it is the gesture that represents the emotional dimension of his doing. A sudden wind upsets certainties: chips of color, sparks of water, traces of a writing become pure expressive energy, representation of suggestions that come from the outside but that the artist has felt and filtered with the tools of his own sensitivity. The sign tracing movements and surface vibrations, is trace without any hesitation, and creates a subtle balance between full and void. Debiasi has by these subjects gone in-depth into the dimension of the void, so much that some yellows, minimal in their composition and space distribution, speak of meditation, of spirituality, of harmony born from silence and contrast with the white of the paper. He listens to what surrounds him and he lets himself be fascinated by the voices that whisper but he never denies the explosions of red, the intense movement of light blue, and the mysterious deepness of black. By some drawings suspension, expectation prevail, and the delicate perfume of essence or the swinging steam of tea waft, while by others you can feel the quick steps of people, the bustling of city activities alternated to the coming or going of advertisements and billboards to which the sound and visual charm of an almost impossible language has to be added.
The choice of the small format is particularly enjoyable because each work is a miniature, perfectly structured tale, with a precise emotional logic as the one – as the artist says – “the Japanese have. They center each one of their actions not on chance but on their interest in small things; the same rituality that rules human relationships, implies a sort of profound respect and consideration for the other.”
The artist, attracted by the aesthetic of small and ritual gestures, wanted to mark each paper with a red stamp. “It reproduces the name of a woman – he says – and I chose it among an infinite number of possibilities. A minimum intervention that made me feel once again closer to a way of being and of living made of softness and of discretion.”
These are papers that ask to be unveiled little by little; if joined one to the other they could be delicately unrolled – also Japanese artists do it with their artworks – and then read as one unique sensation of a fascinating trip.

Riccarda Turrina
Casina, November 8, 2007

(Translated by Anny Ballardini)

„Ich arbeitete am Boden kniend... ich musste ein wenig Buße tun...” - sagt Giuseppe Debiasi lächelnd, während er von seiner unlängst getätigten Reise nach Japan erzählt - „...das Papier belebte sich mit beinahe formlosen Farben, eine Synthese all dessen, was meine Augen gesehen und wahrgenommen hatten, all dessen, was mein Verstand zu verarbeiten imstande gewesen war: von der Schönheit der High-Tech-Züge zur wohligen Wärme der von Leere gezeichneten Holzhäuser und zur chromatischen und existenziellen Einzigartigkeit der Blumenkompositionen.”
Die kleinen Werke, die Giuseppe Debiasi in Japan verwirklichte, sind von einer inneren Vornehmheit, von Zartheit und von einem Hauch von Leichtigkeit durchdrungen. Auf der bemalten Fläche wird der Zauber der verschiedenen Orte durch außergewöhnliche Schattierungen deutlich, die von symbolischen Werten ummantelt sind, welche über die reine Form und die unmittelbare Stilisierung des natürlichen Elementes hinausgehen. Die Farbe, die an die faszinierende Intensität einer Blume erinnert, erzählt im selben Augenblick von einer Reise, die aus räumlicher Unruhe, aus visuellen Anspielungen und aus einer bedingungslosen Anziehung für eine Welt besteht, die sich als neu zu entdeckendes Universum präsentiert. Dieses „Neuland” ist für den Künstler in der Tat ein brodelnder Kessel von Stimmungen, in dem mächtige Stadthäuser und immense Gärten voller Wasser miteinander einhergehen und in dem die lautlosen Häuser mit Reispapier an ihren Fenstern zur den Dingen und Gedanken inne liegenden Ordnung beitragen. Und all dies zeigt sich in Bildern, in einmaligen visuellen Suggestionen, in denen der bereits vor seiner Darstellung voll und ganz assimilierte Gegenstand zu einem simplen Deckmantel wird.  
Auch Debiasi ist, wie die japanischen Maler, trunken von der Schönheit der Natur, vom Strömen der Gefühle, die sich in ihrem Inneren regen, und gerade deshalb ist es ihm insbesondere in diesem Werkzyklus gelungen, sowohl ihre Essenz als auch ihre wechselhafte Existenz durch ein Gewimmel von Formen festzuhalten. Die Blume, der Ausgangspunkt seiner malerischen Reflexion, wird daher verwandelt, vollkommen neu erfunden: Die Form wird formlos, zumal die Geste die emotionale Dimension des Tuns symbolisiert. Ein plötzlicher Windstoß bringt jegliche Sicherheit aus dem Gleichgewicht: Farbsplitter, Wasserfunken, Schriftspuren werden zu reiner, ausdrucksvoller Energie, zur Verkörperung von Reizen, die von außen eindringen, die der Künstler jedoch mittels seiner Feinfühligkeit verspürt und herausgefiltert hat. Das Zeichen, das Bewegungen und Vibrationen der Oberfläche festhält, ist keinesfalls zögerlich und schafft ein subtiles Gleichgewicht zwischen Fülle und Leere. Debiasi hat denn in diesen Inhalten die Dimension der Leere verstärkt, sodass gewisse Gelbtöne, minimal in ihrer Zusammensetzung und räumlichen Verteilung, von Meditation, von Spiritualität und von Harmonie, die der Stille entspringt, erzählen und sich dem Weiß des Papiers gegenüberstellen. Er hört das, was ihn umgibt und lässt sich von den raunenden Stimmen bezaubern, kann jedoch dem explosiven Rot, dem ruhelosen Hellblau und dem tief geheimnisvollen Schwarz doch nicht widerstehen. In manchen Zeichnungen dominiert die Suspense, das Warten – ein zarter Duft von Essenzen oder der schwingende Dampf des Tees sind wahrzunehmen –, während man in anderen wiederum den schnellen Schritt der Leute zu hören vermag, den Klang der städtischen Geschäftigkeit, die sich mit dem Gewirr von Werbespots und Leuchtschriften vermischt und vom akustischen und visuellen Zauber einer nahezu unmöglichen Sprache verschleiert ist.  
Die Wahl des kleinen Formats scheint äußerst gelungen zu sein, da jedes Werk eine perfekt strukturierte Erzählung in Miniatur mit einer präzisen emotionalen Logik ist, „welche die Japaner charakterisiert”, – sagt der Künstler - „die all ihre Handlungen auf das Interesse für die kleinen Dinge und nicht auf die Zufälligkeit basieren; der rituelle Charakter, der die zwischenmenschlichen Beziehungen auszeichnet, impliziert eine Art tiefen Respekt und große Achtung für den Nächsten.” Der Künstler, angezogen von der Ästhetik der kleinen und rituellen Gesten, wollte jedes Blatt mit einem roten Stempel kennzeichnen. „Er gibt den Namen einer Frau wieder”, – sagt er - „ich habe ihn unter einer endlosen Vielfalt von Möglichkeiten ausgewählt. Ein minimaler Eingriff, der mich dieser Wesens- und Lebensart, die von Feinfühligkeit und Zurückhaltung geprägt ist, noch viel näher brachte.”
Diese Karten müssen nach und nach aufgedeckt werden, durch ihr Aneinanderreihen könnten sie behutsam offenbart werden – so wie dies auch die japanischen Künstler mit ihren Werken tun – und als eine einzige Empfindung einer faszinierenden Reise gedeutet werden.

Riccarda Turrina
Casina, 8. November 2007                   

(Übersetzt von Birgit Strauß)